All Hollow's Eve Mixtape

by Vic

Tanta música subieron
que al Web Sheriff
enojar hicieron

Al no poderlos clausurar
a la muerte mando llamar

Que sorpresa se llevó
cuando la Flaca indie resultó y
a Flaming Milk indultó.

Feliz Día de Muertos/Happy Halloween...ñaca ñaca

Dirty Projectors - Temecula Sunrise EP

by Rotch

La carrera para el disco del año está por comenzar, y a la cabeza de mi lista personal se encuentra el Bitte Orca de los Dirty Projectors. En un año musicalmente muy emocionante, son first among equals como diría el gringo. Habiendo muchos grandes discos entres los cuales escoger, este es mi consentido. Ya escribiré más sobre el disco pronto. Y estoy algo obsesionado con el grupo. Cazo cada noticia, entrevista o aparición en vivo que sale en Internet. De ahí que me emocione mucho con un EP que sólo trae un par de canciones nuevas.

Cuando salió el sencillo de “Stillness Is The Move” poco después de haber filtrado el álbum, venia acompañado de “Wave The Bloody Shirt” y “Bitte Bitte Orca”, dos piezas disfrutables pero que honestamente se sentían un poco como experimentos sobrantes. La buena noticia es que para Temecula Sunrise/Cannibal Resource nos traen dos canciones más en forma, que bien pudieron haber formado parte del álbum. “Accending Melody” empieza apoyándose de nueva cuenta en los espectaculares juegos vocales de Amber Coffman y Angel Deradoorian que construyen otra obra maestra de magnificencia pop sumamente emotiva. Por otro lado Dave Longstreth se adueña de “Emblem of the World” mandando las voces femeninas al fondo y sosteniéndola en épicas percusiones.

Si existe una queja es la ausencia de “When The World Comes To An End”, canción que tocaron primero en el concierto con Björk y después en el show de Jimmy Fallon. Pide a gritos una versión de estudio, y esta era una buena oportunidad. Haciendo a un lado eso, son dos canciones nuevas que saciarán mi hambre por los Dirty Projectors un rato más.

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The King Khan & BBQ Show - Invisible Girl

by Rotch

Soy confeso adicto a todo lo que hace King Khan. Sí, hay muchos músicos más talentosos haciendo cosas más importantes. Pero todo lo que toca Khan siempre tiene una indiscutible garantía: es endemoniadamente divertido. Así que no importa si se trata de The Shrines, The Almighty Defenders o, como esta, sus colaboraciones con el genial BBQ; siempre logra hacerme sonreír.

El mencionado BBQ tiende a sacar el lado más suave y menos animal de Khan, y para esta nueva colaboración, Invisible Girl, nos regalan un pop de antaño tan dulce que parece venir en un sobre con chicle. Sin dejar sonar crudo como en el resto de sus trabajos, no temen llenarlo de coros de cuarteto, acordes pegajosos y letras llenas de añoro adolescente.

Con 9 años de carrera, pero apenas consiguiendo notoriedad, Khan todavía tiene mucho que ofrecernos. Nada de lo que continúa sacando suena necesariamente nuevo, pero cuando me hace tan feliz no puedo quejarme.

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Surfer Blood - Astro Coast

by Rotch

En mi cabeza el 2009 ya terminó. Musicalmente hablando al menos. Mi wishlist no guarda objeto alguno que salga este año y se está llenando con los lanzamientos de Yeasayer, Beach House, Final Fantasy y Vampire Weekend para inicios del 2010. Apenas empieza noviembre y el 2009 ya se siente como el recuerdo de un gran año musical. Y para reafirmar mi sentimiento llega la primera filtración de 2010: el increíble y esperado debut de Surfer Blood Astro Coast.

Una de las mejores portadas que he visto últimamente esconde detrás una mezcolanza de influencias que si bien no resulta sorpresiva lo compensa siendo tremendamente adictiva. Un pop armonioso, que parte de The Shins, los mejores momentos pre-Pinkerton de Weezer, y una cucharadita del entusiasmo elitista de Vampire Weekend para sacudir a gusto la cabeza.

Pese a lo fuerte de las influencias, el grupo se las ingenia para glasear el material con un buen número de sorpresas. El primer sencillo “Swim (To Reack The End)” ahoga la voz (sumamente Mercer-esca) en una gloriosa reverberación que la convierte en una de las mejores canciones pop girando en mi iPod. Por su lado “Harmonix” hace lo mismo con sus guitarras y nos da otra sólida pieza. El contraste entre “Fast Jabroni” y “Slow Jabroni” es el corazón del álbum, y uno de los momentos creativamente más fértiles de este, en donde asoma el verdadero potencial del grupo.

El grupo prácticamente se adueño del CMJ en Nueva York y van a empezar a dar mucho de qué hablar. Mi lado malo y snob quería descalificar a Surfer Blood por sonar demasiado parecido a The Shins. Pero al final me dejé seducir por los encantos del disco y me pareció muy fácil hacer esa inconveniencia a un lado. Aquí hay mucho que disfrutar.

Imprescindible 2010 (¡je!). Click en el título para bajar.

Devendra Banhart - What Will We Be

by Rotch

Voy en mi segunda vuelta por el What Will We Be de Devendra Banhart y debo admitir que estoy sumamente sorprendido. Esperaba muchas cosas del último trabajo, y primero para una gran disquera, pero nunca esperaba que una nueva serie de formalismos, quizás autoimpuestos, nos dieran su trabajo más fresco desde Niño Rojo.

He sido fan de Banhart de un tiempo ya, defendiendo incluso el no muy querido Smokey Rolls Down Thunder Canyon. Para mi es lo mejor y lo peor del freak folk envuelto en un solo paquete, para bien o para mal. La buena noticia es que para este nuevo disco, no pierde nada de lo freak pero deja un poco atrás lo folk, dándonos uno de los discos más raros y singulares que he escuchado en los últimos días.

La mayoría de sus decisiones y tics me parecen sumamente afortunados. Como siempre, escoge el español para sus momentos más dulces, como la sensual “Brindo”, con ligeros aires de bosanova y baile de salón. En momentos como “Last Song For B” y “Meet Me At Lookout Point” parece canalizar de manera exitosa a Simon & Garfunkel. Pero mis momentos favoritos son los más aventureros: la dulcemente esquizofrénica “Angelika” y la energética y eufórica “16th & Valencia Roxy Music” que se las ingenia para no sonar a nada que haya hecho Banhart antes.

Estoy en verdad sorprendido con el álbum. No sé por qué mis expectativas eran tan bajas. Es un disco muy completo, lleno de ideas y de energía, de perfecta manufactura para sonreír este fin de semana.

Imprescindible 2009. Click en el título para bajar.

Thao With The Get Down Stay Down - Know Better Learn Faster

by Vic

Los desamores suelen ser experiencias tristes, nostálgicas, depresivas, acompañadas de lágrimas y desilusiones; cuando nos toca vivirlos, todos (incluso los masoquistas y hasta los emos) preferiríamos encerrarlos en el rincón más oscuro de nuestro ser y olvidarlos por siempre.

Para Thao Nguyen esto no necesariamente tiene que ser así y en este su tercer disco, Know Better Learn Faster, esos momentos en los que más vulnerables somos representan para ella una oportunidad para conocer una parte de nosotros que pocas veces dejamos ver. Así todas sus canciones del álbum tienen que ver de alguna u otra manera con todo lo que un corazón roto conlleva...

La voz y guitarra de Nguyen son acompañadas por los Get Down Stay Down que en conjunto hacen que el disco no sea uno melancólico sino alegre, incluso cuando hay traición y engaño dentro de las letras de las canciones.

Pequeño recordatorio de que incluso en estas situaciones podemos sacar algo bueno por difícil que parezca.
"Sad People Dance Too"

P.D. Es casi seguro que mañana sera un viernes de peticiones en FM así que si tienen alguna ahora es cuando...

Real Estate - Real Estate

by Rotch

En mayo posteé el primero de tres discos que saldrían de Matt Mondanille, también conocido como Ducktails, en el año. Mondanille es dueño de un sonido muy singular, un pop psicodélico lo-fi que suena a bañado en sol a pesar de ser construido en un sótano. Y como no le bastó dotarnos de tres buenos discos en lo que va del año, ahora llega el debut de su grupo Real Estate.

El disco homónimo parece haber llegado unos cuantos meses tarde. Perfecto para el verano que ya pasó, es una colección de diez canciones dueñas de un bronceado de suburbio californiano. La primera diferencia que encontrarán con Ducktails es que el sonido tiene más cuerpo y forma. El barniz lo-fi sigue ahí, pero la música divaga menos y nos encontramos canciones formalmente estructuradas. Con un esfuerzo más formal y menos ocioso, es fácil encontrar más cosas que admirar.

Con títulos como “Pool Swimmers” y “Beach Conver” es facil darse una idea por donde se encuentran las sensibilidades del disco. Es una dulce joya pop, cuyos mejores momentos, como la triunfal “Fake Blues” o la soñadora “Suburban Beverage”; hacen que en verdad brillen sobre la camada de músicos que ofrecen un producto similar.

Para curarse de la depresión del horario de invierno. Click en el título para bajar.

Big Star - Keep An Eye On The Sky

by Rotch

Keep An Eye On The Sky, la magistral caja de Big Star editada finamente por Rhino, pretende una cosa y la logra de manera ejemplar: introducir al mundo al llamado “primer grupo de culto” de la historia del rock. Yo definitivamente me cuento dentro del grupo que necesitaban desesperadamente dicha introducción. Nunca había oído hablar de Big Star, pero como muchos, si había escuchado una que otra de sus canciones. Primero la divertida “In The Street”, utilizada de manera atinada en la secuencia de créditos de That 70’s Show. Y la segunda y más destacable “Thirteen”, a la cual Elliott Smith le hizo un finísimo cover utilizado en el soundtrack de Thumbsucker de Mike Mills. Hubo una temporada que estaba obsesionado con esa canción, y me sorprende que nunca busqué su origen. Es una canción de nostálgico pop perfecto, con una letra en la que me podría perder horas.

Esos dos momentos fueron los únicos familiares durante las 5 horas por escucha que le dediqué a la caja. El resto fue una explosión de poderoso pop que rogaba ser descubierto. Los tres primeros discos en particular son gloriosos y se pasan como una brisa. Escuchen la emocionante “The Ballad Of El Goodo”, o la soñadora “Try Again”; hasta llegar a los rincones más oscuros, como “Holocaust”. Escuchen ese magistral cover de “Femme Fatale” que mágicamente no le pide nada a Nico. Es como si hubieran tomado los mejores momentos musicales de las películas de Cameron Crowe y los hubieran envuelto bajo el mismo papel. Estos tres primeros discos encapsulan de un modo u otro los tres primeros y más famosos LPs del grupo. Pero en lugar de reproducirlos, hace una mezcla de demos, versiones alternas y las originales para brindarle una cierta cronología estética. Alejada de cómo fueron escuchados por primera vez pero que fluye con una naturalidad impecable.

El cuarto disco es una recopilación de interpretaciones en vivo. Increíbles y emotivas, y editadas de manera precisa. Al igual que el Remember de lo Fiery Furnaces, se tomaron los mejores momentos y se hacen uno sólo, como si fuera el mejor concierto que dieron en su vida.

No tienen una idea de lo entusiasmado que estoy con esta caja. La puedo escuchar una y otra vez y siempre encontrar algo nuevo. Es un recorrido por un sinfín de texturas y emociones enormes. El grupo es un peculiar talento que merece estar constantemente en la punta de la lengua de cualquier melómano. Y sonando en su iPods por lo que resta del año. Sé que viendo la lista de links puede dar un poco de flojera bajarlo. Pero les juro que no se arrepentirán. El título no podría ser más apto. Esto es una estrella fugaz.

Disco 1-A, Disco 1-B
Disco 2-A, Disco 2-B
Disco 3-A, Disco 3-B
Disco 4-A, Disco 4-B

[¿Soy yo? O con éste, los remasters de los Beatles, The Feelies, Prince y demás; este no sólo ha sido un gran año para música nueva, sino para música vieja también.]

MV & EE - Barn Nova

by Rotch

Los actuales proceso de producción permiten dos cosas. 1: Que cualquiera saque un disco. 2: Que lo hagan cuantas veces quieran. El dueto compuesto por Matt Valentine y Erika Elder no son necesariamente “cualquiera”, pero sí sacan disco cada que quieren. Con 14 trabajos en los últimos 3 años, más proyectos alternos, están redefiniendo el adjetivo “prolífico.” Y si bien la cantidad compromete la calidad, cuando se deciden a sacar algo bueno es muy bueno. Y este es el caso con Barn Nova.

Desde que abren con la genial “Feelin’ Fine”, sabemos que se trata de un trabajo más accesible, y traen mucho de eso bajo la manga. Menos folk que en otras ocasiones y apostando por un rock psicodélico muy clásico en manufactura. Incluso sus momentos más solemnes, como la reminiscente a Bon Iver “Snapperhead”, todo suena como si estuviera bajo la influencia de diversas drogas.

Similar al trabajo de Brightblack Morning Light, MV & EE nos regalan un disco para perderse. Relajado pero denso, y pocos discos pueden administrar ese balance. A la par de su mejor trabajo, que en mi opinión es el genial Drone Trailer, realizado con The Golden Road.

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Thomas Function - In The Valley Of Sickness

by Rotch

Si el hype funcionara a mi antojo, entonces Thomas Function sería una de las bandas más trendy del momento. El año pasado no me cansé de hablar de Celebration, su increíble y energético debut. Pero al parecer no fue lo suficiente. Esté apresurado segundo esfuerzo, In The Valley Of Sickness, voló bajo el radar de los grandes filtradores y no llegó a la red hasta que nuestro buen amigo Vic se tomó la molestia de comprarlo y compartirlo con nosotros.

Y es una pena. A diferencia de otros apresurados follow-ups de grandes discos del año pasado (te estoy hablando a ti Dodos) los chicos de Thomas Function no desilusionan en lo mínimo. Nos entregan un trabajo tan fuerte, divertido y pegajoso como el anterior. Si bien no traen trucos nuevos bajo la manga, la contagiosa energía manifestada en el primer álbum sigue intacta, y ese es un triunfo en si. Dejen que empiece la segunda canción, “Day In The Shade”, y se encontrarán involuntariamente moviendo la cabeza.

El disco no descansa. Sus casi 40 minutos de duración se pasan como la brisa. La voz nasal y ligeramente gangosa de Joshua Macero explota en cada una de las canciones, haciendo el rock-pop más enteramente divertido que se encuentra allá afuera. Espero que con este segundo intento, el mundo les preste más atención.

Imprescindible 2009. Click en el título para bajar.

Neon Indian - Psychic Chasms 2009

by PONCE

Se que no suelo subir discos muy “modernos” pero la verdad es que llamar a este disco “moderno” seria negar 20 años de pop hecho con maquinas. Llevo un rato ya escuchando este disco y la verdad es que no lo subí porque no encontraba en Internet una versión que sonara lo suficientemente bien, lo cual resulta increíblemente absurdo y me hace quedar como un ignorante ya que la belleza de el disco reside justo en la vida que la falta de calidad-sonica le da.

Parte de la ultimísimo moda de los blogs (si, y de Pitchfork) de el denominado Glo-fi, Dream-beat o como lo quieran llamar y de bandas que ya han pasado por este blog como Washing Out, Ducktails y Memory Tapes, Neon Indian logra en su primer álbum un sonido tan cerdamente melancólico y tan calculadamente amateur que le da una honestidad rara en un mundo donde hemos tomado a la alta-fidelidad como un hecho.
Me recuerda mucho a los primeros discos de la MoWax a principios de los 90s cuando el sonido imperfecto de el vinyl le daba autenticidad a un movimiento que sonaba antiguamente moderno. Aquí lo que se intenta reproducir es el sonido hueco de los cassettes, el ruido en el fondo, la compresión y la sensación de que la velocidad es inconstante pero más allá de ser un simple artificio con el cual excusar un disco mal grabado o mal masterizado el mexicano Alan Palomo logra apartir de una musicalidad innegable un disco lleno de melodías agradables y letras memorables.

No quise indagar mucho en las influencias de Neon Indian e hice un esfuerzo por no leer otras reseñas de el disco antes de escribir la mía (no, aun no leo la de Pitchfork) pero obviamente el Discovery de Daft Punk es obvia por ser un disco que hace homenaje a el pop 80ero (y con esto me salvo de mencionar bandas 80eras), pero también encuentro cosas que me hacen pensar en las armonías frescas de Air France o el uso absurdo de sintetizadores de Dan Deacon, pero mas haya de cualquier namedropismo es un disco lleno de ideas recicladas que bajo otro contexto resultan novedosas. El rock tienen su garage rock, la musica electrónica ahora tiene su Cassette-Fi.

Local Natives - Gorilla Manor

by Vic

Matt Frazier (bateria), Andy Hamm (bajo), Ryan Hahn (voces y guitarra), Taylor Rice (voces y guitarra) y Kelcey Ayer (voces y teclados) son los Local Natives, una de las revelaciones del último SXSW. Su debut, Gorilla Manor, tiene todos los elementos para ser uno de los mejores discos de este último trimestre e incluso me atrevería a decir del año.

De acuerdo al grupo el componente principal en su fórmula son las voces, basta con escuchar Airplanes -con sus aullidos/afinaciones del principio- para darse cuenta de esto. Las voces de Hahn, Rice y Ayer se combinan de manera casi perfecta, en ocasiones las tres parecen una sola y en otras se sobreponen en el momento justo logrando melodías alegres y pegajosas que hacen que el disco en su totalidad fluya de lo más natural. La participación de los demás instrumentos creando sonidos que aparecen en el momento menos esperado y se van sin que uno logré darse cuenta dan la impresión de que es más una orquesta y no 5 los miembros de la agrupación.

Creo que las comparaciones que se les han hecho con Fleet Foxes, Band of Horses, Fanfarlo no son equivocadas aún cuando les falta bastante por demostrar. Me parece que las cerezas (si no solo es una!) en el pastel del Gorilla Manor son por un lado el cover que hacen de Warning Sign de los Talking Heads y por otro todo el arte que rodea el disco y a la banda en general, vale la pena checar su myspace.

No hay manera de empezar mal la semana con estas 12 canciones...

Varios Artistas - The Twilight Saga: New Moon OST

by Rotch

Empezare mi texto hoy dejando claro que me siento completa y absolutamente ajeno a la saga de Twilight. No estoy ni remotamente familiarizado ni con la película anterior ni con los libros. Es parte importante del panorama pop actual, y sin embargo no he dejado que se adentre mi conciente en lo más mínimo. El hecho me hace sentir viejo.

¿A qué viene todo lo anterior? A que la mayoría de los sitios de internet parecen hacer un firme hincapié en lo poco merecedora que es la segunda parte de Twilight, New Moon, de estas canciones en su soundtrack. Yo no puedo llegar tan lejos, lo que si puedo decir es que encuentro sumamente inspirada la decisión del supervisor musical en crear una intersección entre dos nichos que no la tenían: los tweens y los hipsters. En un futuro, este tracklist será un retrato de los tiempos musicales en los que vinimos.

Y aunque grupos como Muse asoman su horrible cabeza, el resto del repertorio se lee como una especie de secuela al Dark Was The Night, sans-The National. Lykke Li y los Editors nos regalan dos esfuerzos notables. Y Thom Yorke nos demuestra que no es tan difícil conseguir los derechos para una canción suya como nos lo hizo creer A Scanner Darkly. Y mis personales favoritas creo que son más que obvias. El celestial dueto de Bon Iver y St. Vincent (en el que debo admitir el primero no deja que la segunda luzca como debe) “Roslyn”; y la espectacular, espectacular, espectacular (¿dije espectacular?) “Slow Life” de Grizzly Bear con Victoria Legrand de Beach House. Creo que el mejor cumplido que le puedo hacer a esa canción es decir que es tan buena y emocionante que está a la altura de los mejores momentos del Veckatimest. Y si bien ninguna de las canciones fue escrita para la película, sólo aparecerán aquí.

No todo en el disco es oro. No sé si soy sólo yo, pero “Meet Me On The Equinox” me parece una de las canciones más feas de Death Cab For Cutie, como si hubieran tomado su demográfico demasiado en serio. Pero sin embargo el soundtrack completo es una verdadera rareza pop que vale la pena escuchar. Piénsenlo bien, y la próxima vez que un diseñador de 25-30 años quiera salir con una niña de 16-17 que sigue en la prepa, por políticamente incorrecto que sea, tendrán algo en común para conversar.

Memory Tapes - Seek Magic

by Vic

Despedimos una muy buena semana con un disco que nos recomendaron hace rato ya (gracias Edonfire y no Pitchfork, ja!) y que de igual manera han mencionado y pedido en los últimos comentarios de FM... Seek Magic de Memory Tapes.

Pianos, sintes, una que otra guitarra y voces espontáneas que se combinan para crear ritmos y melodías y darle la bienvenida al fin de semana. 8 canciones con la suficiente energía para que durante 40 minutos nos fuguemos y no hagamos otra cosa más que disfrutar.

Les deseo un muy buen fin de semana. Muchísimas gracias por todas sus aportaciones, comentarios, críticas y sugerencias. Son éstos los que finalmente han hecho que Flaming Milk esté más vivo que nunca.

Washed Out - Life Of Leisure y High Times

by Rotch

Washed Out es una de esas anomalías musicales tan características de nuestros tiempos. Música diseñada al parecer para una discoteca europea pero de manufactura enteramente lo-fi. Como Ducktails, Memory Tapes o Toro y Moi; Ernest Greene, o Washed Out, es un tejedor de sonidos finos en precarias circunstancias. Pero ahí radica su magia: es un encanto escuchar los elegantes violines de la mano de una voz narrando casi inaudible (una grabación telefónica) inundada en el gis del cassette en “Phone Call”. Un momento musical tan preciso como precioso.

Hoy los dejo con sus dos primeros trabajos, un cassette titulado High Times y el delirante EP Life Of Leisure. Juntos nos dan casi un long-play que dará muchas vueltas en su iPod. Canciones como “Olivia” suena algo italo-disco, reinterpretado por Animal Collective hace 8 años. Al igual que la pegajosa y contagiosa “Get Up”. La mayor virtud de Greene es dejar que sus canciones divaguen hacia terrenos insospechados. Formalmente son piezas disco, pero tienden a degenerar a una sutil psicodelia, casi absurda. Es un placer imaginarse las vueltas que va a dar cada canción rumbo al final.

High Times y Life Of Leisure, como buenos EPs que son, están en ese punto exacto en el que presumen bien un talento pero nos dejan con ganas de más. Washed Out definitivamente se hace de un buen nombre con estos dos trabajos. Yo en lo personal no puedo esperar a que saque un LP.

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Alec Ounsworth - Mo Beauty

by Rotch

Tengo que admitir que mis expectativas por el disco de solista de Alec Ounsworth, de Clap Your Hands Say Yeah, eran bajas, muy bajas. Que quede claro que el disco homónimo del grupo es consentido entre consentidos, e incluso defiendo el Some Loud Thunder. Pero después de leer unas cuantas entrevistas y escuchar a Flashy Python (su otro proyecto solista, pre-CYHSY), definitivamente no esperaba mucho. Y menos con un título como Mo Beauty.

La ventaja de las expectativas bajas es que las sorpresas sólo pueden ser positivas, y estas abundan en Mo Beauty. Empezando por su primer sencillo “That Is Not My Home (After Brugel)”, una pieza de pop constructivista a la altura de lo mejor de su otro grupo. O la placentera y relajada “South Philadelphia (Drug Days)”, en donde su complicada voz rompe de manera divertida con el resto de la canción.

Pero por cada buena sorpresa vienen un par de momentos desagradables. ¿Recuerdan lo molesto que era ese inicio de burlesque del primer disco? Pues aquí hay varias canciones en ese terreno; en especial la fácil de odiar “Holy, Holy, Holy Moses (Song for New Orleans”, definitivamente el peor momento del disco, y permanentemente saltable en mis futuras escuchas.

Pero al final del día Ounsworth trae consigo más momentos buenos que malos, y nos da un disco bastante digno y disfrutable. Sin embargo también es una prueba de que no tiene lo que se necesita para replicar la magia de ese primer disco de Clap Your Hands Say Yeah. ¿O sí?

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Daniel Johnston - Is And Always Was

by Rotch

La mayoría de los fans de Daniel Johnston miramos con cierto desdén su anterior disco Fear Yourself. Aquel trabajo empezaba con “Now” una canción que sonaba enteramente al lo-fi al que nos tiene acostumbrados para de pronto transformarse a una cuidada producción de estudio (cortesía de Mark Linkous, alias Sparklehorse); presentándonos el sonido predominante del disco. Si bien daba gusto que Johnston saliera de su sótano y entrara al estudio, era inevitable extrañar ese sonido casero que tanto lo caracteriza.

Ahora viene Is And Always Was, su primera producción desde entonces y de nueva cuenta un álbum formalmente producido, en esta ocasión por Jason Falkner, quien ha trabajado con Beck y Air. El resultado… todavía no logro definir qué tanto me gusta. Si Fear Yourself sonaba como un álbum de Johnston sobre-producido, entonces Is And Always Was suena más como a Johnston como vocalista invitado en el proyecto de alguien más. Pero extrañamente esa experiencia es más satisfactoria.

Por un lado las letras siguen siendo tan inocentes y lindas como siempre. Su voz se escucha más gastada y, extrañamente, con un excesivo ceceo, como si le hubieran puesto frenos o brackets. Esos dos ingredientes contrastan de manera muy extraña con la producción de Falkner. Canciones como “Lost In My Infinite Memory” tienen una producción más que generosa y compleja, muy alejada de la austeridad a la que nos tiene acostumbrados. “I Had Lost My Mind” tiene hasta sonidos electrónicos (¡!).

El disco en verdad puede presumir de sonar como Daniel Johnston nunca había sonado antes. En sus mejores momentos, como la sublime “Mind Movies”, se agradece sumamente. No sé si el sentimiento se comparta en el resto del álbum. Estoy confundido y tengo que escucharlo más. De lo que sí estoy seguro es que al final del año este va a ser uno de mis discos más queridos o el más odiado. No lo sé aún.

[NOTA La última vez que subimos algo del Sr. Johnston, su abogado se puso muy intenso. Con el afán de hacer más discreto el link, dejaré el serial en los comentarios. Sólo cópienlo y péguenlo en la .com que usamos para subir los discos aquí en Flaming Milk]

Built To Spill - There Is No Enemy

by Vic

Doug Martsch y compañía están de vuelta con su séptimo álbum de estudio y para muchos el mejor del grupo en un ratote...

Mi conocimiento de la banda es mínimo así que me limitaré a describir el There Is No Enemy y evitar cualquier comparación con sus trabajos anteriores. Solo diré que aquellos que han seguido a Built To Spill desde sus inicios probablemente no encuentren algo nuevo sino más bien su viejo estilo de siempre pero revitalizado. El arte del disco así como el nombre de las canciones van de la mano del sentimiento que la voz tan particular de Martsch imprime en toda la obra.

Guitarras, ritmos y letras llenas de cierta melancolía pero que hacen pensar que la banda finalmente esta saliendo de ese lugar triste y oscuro en el que se encontraban y que ya no será necesario regresar a sus discos anteriores para escuchar algo bueno de ellos...

Buena semana a todos.

The Phenomenal Handclap Band - The Phenomenal Handclap Band

by Rotch

Por lo general cuando un grupo nuevo cita un sonido de antaño siempre suena justo como eso, una cita. No importa si son pastiches con humor como los de Scissor Sisters, u homenajes sensatos y de corazón como los de Music Go Music. Sin embargo no son retratos de una época, sino recreaciones.

Por eso lo primero que llama la atención de The Phenomenal Handclap Band es lo auténtico que se escuchan. A diferencia de los grupos mencinados, aquí no se hace ningún sacrificio moderno. Es un disco del 2009 que suena décadas más viejo. Un disco en donde parece participa Bobby Womak y miembros de The Delfonics. Sí, así de funky.

Incluso el amigable sencillo “15 to 20”, con sus coritos de porrista tipo Ting Tings, tiene una sección ritmica del citado Womak, que crea un más que lindo contraste; y uno de los sencillos más adictivos sonando en el radio estos días. En el disco es seguida por la muy cool “Dim The Lights”, que le suma a ese feeling de antaño.

Al final del día The Phenomenal Handclap nos dejan con un increíble debut, divertido y deleitable; con un par de sencillos que no deben de faltar en un buen playlist del año.

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Los Cien del Cero Cero 1-5

by Rotch

Y así llegamos al final de nuestra lista. Aunque el 2009 aún no termina, creo que al día de hoy hemos escuchado la mayoría de los discos importantes del año, y el tiempo hará que cambiemos de opinión sobre algunos títulos. Y tal vez se nos fueron algunos nuevos que salieron después de que empezamos (en mi opinión Hospice de Antlers, Album de Girls y Logos de Atlas Sound). Pero sin más arrepentimiento o apología, aquí queda…



1- Sufjan Stevens – Illinois (2005)

Illinois es muchas cosas: es un retrato de folklore americano a la altura de los trabajos de Washington Irving, es un sonido tan único y una composición tan ejemplar que invita a comparaciones con músicos de la talla de Phillip Glass o Michael Nyman, pequeñas piezas narrativas tan ingeniosas que parecen salidas de la cabeza de escritores como Michael Chabon o cineastas como Wes Anderson. Un disco de principios e ideales tan clásicos que sólo puede ser clasificado como postmodernista.
En una década en la que el mp3 y los iPods parecían anunciar el final del “álbum” como “obra”, Sufjan Stevens sacó un disco que exigió ser escuchado de principio a fin, sin importar que te quita unos largos 75 minutos de tu tiempo. La experiencia es casi como leer un buen libro, y viene con un buen número de recompensas líricas. En Illinois, la voz de Stevens es la de un narrador culto, pero siempre amigable, que no es condescendiente y te cuenta historias como un tío cariñoso lleno de conocimiento.
¡Y vaya historias! Desprendidas del álbum, las principales canciones (haciendo un lado los interludios) son pequeños microcosmos en los que por ocasiones habitan personajes muy reales, y en otras paisajes fantásticos basados en lo más mundano. Tomen como por ejemplo “John Wayne Gacy, Jr.” uno de los retratos más empáticos que se le han realizado a un asesino en serie, sin importar el medio. O “The Man Of Metropolis Steals Our Hearts” el afectuoso retrato la habilidad humana de crear mitos modernos. No importa si todo suena muy intelectual. Uno puede escoger ignorar el contenido y concentrarse en perfectas piezas pop como “Chicago”, cuya influencia sonora se siente en centenares de artistas indie de la década. ¿Y qué tan vasto es este sonido? Intente encontrar todos los instrumentos que conozcan en el disco y se sorprenderán.
Illinois es un disco al que fácilmente se le puede poner la etiqueta de “obra de arte”. La visión de un solo hombre con una voz distintiva. Al igual que The Royal Tenenbaums en cine o Jimmy Corrigan: The Smartest Kid On Earth en cómic, es una obra tan llena de detalles que rompe las reglas del medio para darnos algo completamente original y nuevo. ¿Cuántos artistas pueden presumir eso?

Primera parte. Segunda parte.



2- Panda Bear – Person Pitch (2007)

Person PItch es el Pet Sounds de la década, en una década en la que Pet Sounds fue uno de los discos más influyentes y citados. Noah Lennox se desata de los confines y expectativas de su entonces ya exitoso grupo Animal Collective, y nos da un disco que se siente sumamente personal e íntimo. Esa intimidad es el ingrediente mágico del disco. En una época en la que una laptop se convirtió en un instrumento musical, Lennox la usa para brindarnos una cercanía entre artista y escucha que cuando se vive con un buen par de audífonos es mágica.
Lennox hila una serie de detalles y sonidos que desconocíamos. Una guitarra, un beat o el sonido de búho suenan de igual forma y sin distinción. Separados pueden ser abstracciones, pero en sus manos son música como nunca la habíamos escuchado antes.
Cuando Lennox anunció el álbum dijo que su intención era retratar la sensación del sol cayendo sobre su rostro durante el verano en Portugal. Pocas veces las intenciones de un artista se traducen tan bien al medio. Escuchen el disco y cierren los ojos y se encontrarán justo ahí, a su lado.
(P.D. Y la portada es a mi juicio la mejor de la década. Un retrato perfecto de todo lo que vamos a encontrar en su interior.)

Primera parte. Segunda parte.



3- Arcade Fire – Funeral (2004)

Funeral es un disco tan lleno de energía que se siente concretamente en las fibras nerviosas. Una energía rara en un disco cuya temática es tan sombría como su título sugiere. Es este contraste lo que hace del disco una cita tan encantadora.
Al igual que lo que escribí de TV On The Radio, Arcade Fire es uno de esos grandes conjuntos de talentos, desde el liderazgo de Win Butler hasta los barnices de violines de Own Pallet. Ningun ingrediente se puede prescindir.
Butler y su ensamble hicieron del rock algo más intelectual de lo que sabíamos que podía ser. Pero el gran triunfo del disco es nunca sacrificar su corazón por ser inteligente. Funeral es un disco cálido, una celebración.



4- Radiohead – In Rainbows (2007)

Podría escribir una tesis sobre el lanzamiento de In Rainbows. Es un antes y un después en la historia de la música y para quienes lo vivimos un momento en verdad especial. Sin embargo nada de eso hubiera pasa si el disco no fuera muy bueno, su mejor desde OK Computer.
Muchos pensarán que este lugar debería pertenecer al Kid A. Para mi Kid A es el sonido de un grupo reinventándose como ningún grupo lo había hecho antes. Pero no deja de ser una reinvención. Por otro lado In Rainbows es el sonido de la mejor banda que nos ha tocado vivir haciendo lo que mejor saben hacer. Aquí está presente la complejidad del OK Computer, lo ambicioso del Kid A, y el rock puro del Hail To The Thief. Y en canciones como “Reckoner” y “House Of Cards” lo más emotivos que han sido en su vida. Hasta recuerdan al Pablo Honey.



5- Joanna Newsom – Ys (2006)

Para su segundo álbum Joanna Newsom parecía querer sacudir toda expectativa que pudo haber generado su primer disco. Ys es una reunión de singulares y muy especiales talentos. Por un lado está Newsom, dueña del arpa más dulce que hayan escuchado en su vida y una voz aguda que sólo se puede amar u odiar, no hay punto intermedio. Por otro lado está el veterano Van Dyke Parks en los arreglos de las cuerdas, haciendo que todo el disco suene inmediatamente clásico. Jim O’Rourke fue el encargado de hacer de la mezcla algo delicado y orgánico. Y el genio Steve Albini fue el encargado de la producción. Matrimonio más orgánico en la música no se puede encontrar.
La mayor virtud de Ys es que se trata de un disco enteramente atemporal. Su extraña mezcla de folk y americana con un poco de música medieval la hacen sonar como algo viejo. Sin embargo su valentía temática, que se compone de sólo 5 valientes canciones, lo hace un emblema de la época. Pocas cosas suenan tan viejas y tan nuevas a la vez.

Primera parte. Segunda parte.

Y fue todo. No quería cerrar la sección sin decirles el enorme placer que fue escribir esta lista. Adoro escribir listas, y adoro criticarlas y odiarlas. Espero haber hecho algo similar por ustedes. Fue duro trabajo, pero bien pagado por sus comentarios. Buenos o malos, siempre fueron apasionados, y es la mejor paga que puedo recibir por cada texto. Muchas gracias.

No olviden checar la lista completa aquí.